By Janet Batet
Posted in Art Pulse Magazine

Under the suggestive title “Joyas Latinoamericanas” (Latin American Jewels), Art Space Virginia Miller Galleries, in Miami, offered us a balanced account of the contemporary art in the region. The presence of great figures, such as, José Clemente Orozco and Francisco Toledo (Mexico); Gina Pellón and Wifredo Lam (Cuba); Ramón Oviedo (Dominican Republic); Elmar Rojas (Guatemala), coexists in frank dialogue with mid-career artists like Michelle Concepción (Puerto Rico), Marco Tulio (Colombia), Humberto Castro (Cuba), Mateo Argüelles Pitt (Argentina), Enrique Campuzano and Soledad Salamé (Chile), Sergio Garval (Mexico).

Passing the threshold of the gallery, the viewer is challenged by a small vibrant jade green rareté. Untitled, 1978, Gunther Gerzso (Mexico, 1915-2000) arouses particular interest. This lovely painting is unusual due to its small size (only 6 ½ x 6 ½ inches). Gerzso’s pictorial universe is characterized by the use of space as a dramatic compositional element. Consequently, the medium or large-scale emphasizes the monumental nature of his proposal. It is a universe dominated by the geometric abstraction, where greens, ochres and blues create enigmatic compositions: architectural structures that seem inspired by the colossal pre-Columbian Mexican heritage; topographies of the vast and disparate Mexican landscape where woodlands, sea and desert become unfathomable forces and archetypes of the soul.

El Cano mudo, 1993, is a fury. The imposing expressionist painting by Arnaldo Roche-Rabell (Puerto Rico, 1955) captures our attention at once. A whirlwind of strident, hurtful yellow lines, takes us into the excitement and frenzy of a cockfight, where everything is dominated by passion, that passion that only stops at death. The canvas appears as a snapshot of the climax moment of the fight where individuality disappears to embody one unique entity, a single delusional force: tremendous, fiery, fatal. Roche-Rabell’s artworks are the result of the tremendous collusion -and collision- between the popular imagination and reality. The rites and traditions of the Borinquén become a metaphorical point of departure for the tireless scrutiny of the forces, fears and passions of man.

Sharing the same room, in an obvious face-to-face contrast, highlights the almost mystical quietness of On the Center: A Tree, 1990. This canvas is the expression of a fundamental concern, which has guided Antonio Henrique Amaral’s artistic production over the years: the devastating and disastrous deforestation of the Amazon. The tree in the center is almost a deity, an object of worship, an animistic force and the pinnacle of the history and culture of one of the world’s last natural places of refuge. The oppressive metal teeth of the saw fence act as a threatening decorative border, which irreverently menaces the survival of core values: our nature and mystic legacy.

Soledad Salamé (Santiago, Chile, 1972) delights us with her very eloquent video Fusión (Fusion), a testimony to her environmental interests – the poetic and continually changing abstract compositions generated by the constant flow of rhythm in the song of life: the precious nature of water presented as a vital, animated element and a metaphor for memory and remembrance. This ecological interest has guided Salamé throughout her entire career, appearing as a recurring element in her paintings, photographs, videos and sculptures. Concerns like global warming, contamination, and solar energy distinguish her very contemporary poetics. Her fascination with time – another essential, natural component latent in all her works – finds perfect fulfillment in her multimedia artwork, where rhythm, sequence and interdependence speak to the interrelatedness of the world we inhabit.

“Joyas Latinoamericanas” is a balanced, interesting selection, as well as a graceful polyphony of the contemporary art of the region.

By Janet Batet
Published by El Nuevo Herald

Aaron Karp, Cachara Dancer, acrylic on canvas, 52x48 inches, 2004

El Arte abstracto como lenguaje visual tiene la peculiaridad de haberse desprendido del pesado fardo de la representación visual. Así, línea, color y textura se confabulan para crear universos disímiles donde el espacio y la tensión entre elementos constitutivos es fundamental. Del efectivo manejo de estos componentes, depende definitivamente el éxito de la obra abstracta y su poder evocador.

Five Abstracts Visions (Cinco visiones abstractas) es el título bajo el cual la galería ArtSpace/Virginia Miller, con sede en Coral Gables, nos ofrece las visiones de cinco pintores abstractos con propuestas bien diversas. La exposición constituye una oportunidad para acercarse a artistas en plena expansión de sus carreras cuya pasión por la abstracción los ha llevado a la creación de propuestas bien personales y sugerentes.

Andy Moses (Los Angeles, 1962) and Michelle Concepción (Puerto Rico, 1970) parecen interesados en explorar la abstracción como desafío a la limitación natural de la pintura: su bidimensionalidad. Ambos juegan con las nociones de profundidad y movimiento exigiendo un espectador activo y los dos están interesados en la exploración del cosmos.

Michelle parece atraída por la microescala. Sus pinturas parecen vistas obtenidas a través de un microscopio que nos permite acceso al mundo insospechado de organismos unicelulares, protozoarios, que se acompasan en grácil movimiento. La obra de Moses, en cambio, participa del denominado flow painting, una pintura interesada en la impresión de movimiento continuo o flujo. Moses se vale de pintura traslúcida y perlada. El tiempo de preparación del pigmento es esencial así como la viscosidad que va ganando el mismo. Todo ello, aunado a la luz –en tanto elemento constitutivo de la obra– genera una composición siempre cambiante. A ello contribuye el uso de la superficie cóncava que amplifica la sensación de fluido que el espectador experimenta mientras se traslada de un extremo a otro de la obra. Inspirado en fenómenos físicos y naturales, la obra de Moses es una experiencia gratificante.

Florian Depenthal, 54 x 42 inches, Shattered Splendor, 1993, Oil on Canvas

Por su parte, la propuesta de Aaron Karp, pintor americano que ha vivido en Nuevo México por más de 30 años, nos introduce en un complejo entramado multicolor. Copioso tejido potenciador de ritmos y combinaciones cromáticas riquísimas, los cuadros de Karp son el pasaje propicio a mundos de ensoñación donde el elemento lúdico destaca. Sus lienzos parecen por momentos fabulaciones arquitectónicas: cúpulas caprichosas de ascendencia morisca o complejos mosaicos. Otras veces, el elemento musical se impone por el juego con el tempo –armónicos y disonancias– que anima su obra.

Por último, las propuestas de Florian Depenthal y Linda Touby encuentran como punto de comunión el rejuego con el elemento textural en tanto medio expresivo fundamental.

Linda Touby, Homage to Giotto 414, Oil and Wax on Canvas, 56 x 56 inches, 2009

Los deslumbrantes lienzos de Florian Depenthal (Karlsruhe, Alemania, 1955) denotan una alta carga expresiva. El pigmento es aplicado con espátula dejando la huella enfática del estado anímico que motiva cada trazo. El artista, sin embargo, a ratos se detiene en pequeños detalles, raspando aquí y allá con el mango del pincel, dejando pequeñas notas cifradas dominadas por un acento íntimo. Los títulos dejan a veces entrever conexiones con el mundo real que inspira al artista. Tal es el caso de Splendor (Esplendor), 1993.

Al adentrarse en la sala, el espectador queda cautivo de la obra de Linda Touby (Nueva York, 1946). Su propuesta engrana en la tradición del expresionismo abstracto americano, lo mismo que su formación. Touby estudió en la Art Students’ League (Liga de Estudiantes de Arte) de Manhattan teniendo como compañero de clases a Richard Pousette-Dart, uno de los miembros más jóvenes de la Escuela de Nueva york. De proporciones medianas, la colosal propuesta está impregnada de una fuerza evocadora impresionante que nos transporta a través del tiempo y la Historia del Arte hasta la Edad Media tardía. Su más reciente serie Homage To Giotto (Homenaje al Giotto), es el resultado del paciente estudio de la obra del maestro italiano.

Andy Moses, 20 x 30 inches, Departure at Dawn, 2007, Acrylic on Concave Canvas

La serie destaca en primera instancia a nivel táctil. Touby ha logrado recrear la sensación de la pintura al fresco. Este procedimiento pictórico mural a base la cal y pigmentos minerales fue empleado desde la Antigüedad. De gran resistencia al paso del tiempo, debemos a esta técnica una parte considerable del legado artístico que llega a nuestros días. Avida investigadora del color y las posibilidades de los pigmentos, Touby consigue recrear la peculiar atmósfera del fresco a partir del óleo y la cera. La artista selecciona meticulosamente los colores empleados atendiendo a la técnica recreada y a la paleta del artista homenajeado en la serie.

Michelle Concepción, Blue across with yellow and orange, 59 x 39.25 inches, acrylic on canvas, 2007

Su obra participa de un rejuego con la historia, fabulando con la abstracción y la figuración. De gran nivel alegórico, sus tranquilas composiciones de franjas horizontales de colores de evocación mineral, nos traen de regreso a un paralelo más cercano (muchos son los que ven en la obra de Touby la presencia de Rothko). Es curioso como la artista ha logrado desde el lenguaje abstracto, resumir el hálito subyacente en la obra figurativa de Giotto a través de la simulación de la técnica, la cuidadosa selección del color y el trabajo por franjas que nos recuerda el uso fragmentado del plano en el maestro italiano como sugerencia de perspectiva.

Five Abstracts Visions es una travesía agradable para el ojo avisado y para el amante general del arte, uno de esos viajes que no deberíamos privarnos.

`Five Abstracts Visions’, en ArtSpace/Virginia Miller Galleries, hasta el 20 de febrero, 169 Madeira Avenue, Coral Gables, 33134. http://www.virginiamiller.com, (305) 444-4493.