Category Archives: Gallery Artists

Emerging Chinese Artists

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Emerging Chinese, Mid-Career Artists of the Americas To Be Exhibited at Bridge Art Fair-Wynwood and at ArtSpace/Virginia Miller Galleries in Coral Gables, Florida

ArtSpace/Virginia Miller Galleries in downtown Coral Gables continues its 35-year tradition of introducing important artists and art movements to this area with “SAVE AS: Contemporary Chinese Art Born of Ancient Traditions,” the first major exhibition of paintings in this country by Cao Xiaodong, opening from 7-10 p.m. Friday, Nov. 7th.

Although his computerized screen-pattern technique and compositions clearly categorize Xiaodong as a contemporary artist, his style is compared by Chinese critics to that of their ancient ink and watercolor landscapes because of his use of traditional tones and his paintings’ nostalgic sense of preserving the past.

Xiaodong’s favorite subject matter is to contrast Western cultural icons with their Chinese counterparts, such as Hugh Hefner with Mao Zedong, or Playboy Bunnies with young women wearing Mao-era uniforms. He is well known in China for his 500-portrait mural of Chinese who were famous from 1911 to 1949.

The second artist to be exhibited is Li Xiaofeng, a 43-year-old Beijing artist. After being introduced by the gallery at the Bridge Art Fair in Wynwood, Xiaofeng’s two full-length dresses and a man’s jacket, shirt and necktie made of broken pieces of ancient Chinese porcelain will be added to the exhibition in Coral Gables. Two receptions will be given for the expanded “SAVE AS” exhibition from 7-10 p.m. Friday, Jan. 2nd, and again on Friday, Feb. 6th.

Being exhibited outside China for the first time, the sculptural “garments” consist of shards of Ming, Qing, Yuan and Song dynasty porcelain that the artist has fitted together so perfectly the finished dresses and jacket appear to have been designed for their materials. Mounted onto a leather undergarment, the works open on the sides or back, just like an actual dress or jacket, and can be modeled as if they were of fabric.

Sharing ArtSpace/Virginia Miller Galleries’ Chinese booth at the Bridge Art Fair in Wynwood from Dec. 2nd – 7th will be artists introduced to this region by the gallery in two major exhibitions last year, including painters Li Bo, Kang Can, Liang Haopeng, Yang Na, and Liao Zhenwu, along with newcomer Mu Lei and stainless-steel sculptor Liao Yibai.

Li Bo disregards the conventions of composition and scale and depicts his subjects in the same size along a linear path. According to the artist, the string of apparently unrelated objects in Li Bo’s enigmatic painting should be viewed in context of television, other media outlets, and particularly the Internet, where random “surfing” can provide serendipitous juxtapositions even poetic insights.

Kang Can depicts his swiftly evolving nation as an infant in overwhelming situations, such as perched atop an enormous club sandwich or hypodermic needle. As China’s widespread industrial and manufacturing abuses continue to be disclosed, his babies remind us of the vulnerability of his nation as well as its awesome potential for continued economic growth.

Liang Haopeng’s works are mostly paintings of unruly behavior, chaotic gatherings often depicting verbal and physical arguments. He deliberately paints the figures in his canvases with oblique lighting and rimmed in red, so they appear violent and sinister. By capturing his subjects in peak action—what the renowned photographer Henri Cartier-Bresson called “the decisive moment”—Haopeng creates a powerful sense of tension between the painting and its viewers.

Yang Na’s doll-like, self-absorbed women, inspired by internationally popular anime cartoon characters, epitomize the sexual fantasies of global mass media. Her emphasis on cosmetic enhancements may refer to the avatars of video games, whose persona are created from a menu of facial features, hairstyles, and clothes.

Born and educated in Sichuan, Liao Zhenwu’s current series of paintings were inspired by the recent devastating earthquakes in that region. The gritty shades of black and gray in his paintings also refer to the polluted air in China’s cities.

Mu Lei, being shown outside China for the first time, compares the trendy young urban women of China with high-powered fighter planes and other armaments, suggesting that both are equally dangerous.

Liao Yibai’s welded stainless-steel sculpture places his dog, Man-Man, in birdlike poses and guardian-lion masks, sometimes with wings. Yibai, who grew up in an accident-prone factory that made propellants for China’s defense missiles, often incorporates hand tools into his limited-edition works.

Across the aisle from the gallery’s Chinese booth at Bridge Art Fair-Wynwood, ArtSpace/Virginia Miller Galleries will present mid-career artists from the Americas.

Mateo Arguelles Pitt, an Argentine artist whose works often contrast spaces crammed full of people in confrontation or communion with relatively empty spaces or flat planes, will be represented by “Sunflowers,” a four-by-five foot mixed media painting, and three of his sculptures of an alert dog. Pitt says that these recent three-dimensional themes speak of the relationship between people and nature, as an extension of our bodies.

Mexican artist Sergio Garval, winner of a number of his country’s leading awards, often chooses subjects of decadence and destruction for his mixed- media drawings on board and oils on canvas.

Other artists sharing the booth include Alfredo Arcia, Benjamin Cañas, Matt Carone, Humberto Castro, Michelle Concepción, Arnaldo Roche-Rabell, Elmar Rojas, Soledad Salamé, and Mariano Vargas.

Greater Miami’s longest-established contemporary fine art gallery, ArtSpace/Virginia Miller Galleries has been exhibiting outstanding artists since 1974. For more information, call 305-444-4493 or visit the gallery website, www.virginiamiller.com.

Li Xiaofeng

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Li Xiaofeng, a 43-year-old Beijing artist, has found a way to link his  contemporary work with traditional Chinese art stretching back to the 10th Century.  In his art, the links are literal: he sews shards of porcelain from the Song, Ming, Yuan, and Qing dynasties on a leather undergarment to created full-length dresses and men’s jackets, complete with neckties. His warehouse studio contains bins of broken plates and other ceramics. Some of the porcelain bits were salvaged from the roof tiles of the emperor’s palace. Each piece
is sorted by age, color, and shape before being assembled into a porcelain “garment.”  Although the shards are not altered in any way, they are fitted so closely together into pleasing patterns the finished garments appear to have been designed for their materials. The works open on the sides or back, just like an actual dress or jacket, and can be modeled as if they were of fabric. Born in Hubei, Xiaofeng graduated from Hubei Huanggang Normal College before earning a degree from the Central Academy of Fine Arts in 2002. The gallery’s current exhibition, “SAVE AS: Contemporary Chinese Art Born of Ancient Traditions,” is his first exhibition outside the Far East and continues through February 28, 2009. See more artworks here.

Cao Xiaodong

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The career of Cao Xiaodong, whose dot-pattern paintings contrast cultural icons of China with those of the United States, “has always been marked by a keen interest in history,” according to critic Yang Wei, who notes: “If there is a creative impulse driving every artist’s career, then the search for the vestiges of time is Cao Xiaodong’s.”  The artist’s oversized paintings are featured in the gallery’s current exhibition, “SAVE AS: Contemporary Chinese Art Born of Ancient Traditions,” his first major exhibition outside the Far East. A typical Xiaodong painting contrasts Mao Zedong, leader of the Chinese Cultural Revolution, surrounded by beaming young women wearing the dowdy uniforms of the period, with a youthful Hugh Hefner, who led a very different sort of revolution in the Western world, embraced by doting Playboy Bunnies oozing out of their skimpy, fluffy-tailed Bunny outfits. The exhibition, which runs through Feb. 28th, will include two dresses and a jacket fabricated by Li Xiaofeng of ancient Chinese porcelain pieces after the conclusion of the Bridge Art Fair in Wynwood. More artworks here.

Contemporary Fables – Humberto Castro

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Humberto Castro’s latest exhibition, “Contemporary Fables,” launches a new direction in his work, visual metaphors based on the concept of fables and of historic immigration as the foundation for today’s society. The new series is an extension of the concept behind many of the paintings and drawings in the Cuban artist’s first 15-year retrospective, held at ArtSpace/Virginia Miller Galleries in 2006-07, which used classical mythology in veiled references to what he calls “the horror of having to abandon one’s homeland through a maritime Berlin Wall.” According to Miami Herald writer Fabiola Santiago, Castro is “a member of the daring 1980s generation of avant-garde Cuban artists who broke through government censorship, launched independent art collectives, and for too short a moment, staged exhibits and performance art critical of the island’s totalitarian regime.”

“Contemporary Fables” is on exhibit from October 3rd – 30th, 2008.

Humberto Castro: lo socialeconómico y político del símbolo

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by Alfredo Triff
ARTES Y LETRAS
Especial/El Nuevo Herald

Humberto Castro

Fábulas contemporáneas es la última muestra de Humberto Castro que acaba de abrir en la ArtSpace/Virginia Miller Galleries, de Coral Gables. Además de sugestiva –por el alcance de su material temático–, la exploración simbólica de esta serie de óleos, ofrece la oportunidad de contrastar el trabajo siempre cambiante de este artista cubano-francés-americano.

Nacido en 1957 y miembro importante de la llamada ”generación de los 80” en Cuba, Castro viaja a París en 1989, hasta 1999 cuando, en segundo exilio, se muda para Miami. La pintura e instalación del Castro de los años 80 enfatiza el tema de la violencia. Inspirada acaso por la exterminación de la población indígena en Cuba (de acuerdo a Luis Camnitzer en su libro The New Art of Cuba). La caída de Icaro en la Segunda Bienal de La Habana (1986) o Los lobos y el hombre (1988) del artista acusan una inspiración neoexpresionista. Son figuras en eclosión, casi-aliens, desnudas, andróginas, provocadoras. En aquel entonces Castro dijo: “La violencia es el arma más elegante”.

Una vez en París su lenguaje se hace más dúctil y abstracto. La violencia cede, se transmuta en una mítica subjetiva. Es casi-grafía pictórica solipsista. El otrora híbrido producto del desborde (de la instalación) se condensa e interioriza. La obra se hace menos teatral y más psicológica. Las caras desaparecen y lo andrógino se hace animal. Los grupos humanos se disuelven; los torsos se metamorfosean.

Durante los años 90 hubo aspectos de esa referencia simbólica en Castro que no cuajaron. ¿Por qué? No le sería fácil al artista sintetizar ese estilo de violencia en una capital europea con ecos de famas perdidas, donde el otrora potente neoexpresionismo ochentoso del contexto cubano se diluía en el pop de la llamada Figuration Libre. Acaso intuía el pintor que el neoexpresionismo como discurso pictórico estaba agotado.

Esa búsqueda de la figuración mítica (de Castro en París) puede explicarse con la ayuda de Roland Barthes. Según el pensador francés, la abstracción del mito trae consigo cierta subjetivización e interiorización del placer. De ahí que la pintura castriana de los años 90 tempranos (donde el símbolo del caracol deviene en cifra exegética) ha sido descrita por otros críticos como ”sensual”, pero a expensas de cierto extrañamiento (¿socio-político?) de la sensualidad misma. De hecho, otra exiliada del comunismo en París, la artista yugoeslava Rasa Todosijevic, pocos años antes, declaraba en su manifiesto ¿Quién gana con el arte?, algo que le hace paralelo: “Lo difícil es crear cuando el contexto real desaparece y se imponen las íntimas fronteras”.

Inmediatamente después de la crisis de los balseros de esta década, la obra de Castro da un giro. Es como si el pintor regresara a su raíz mitológica hacia un temática más cercana –1999 le trae otro exilio al sur de la Florida.

En Miami Castro retoma la instalación en su The Wailing Wall de 2001 y The Bait y The Hunter, ambas de 2003. La imagen del minotauro parisino sufre una transformación a la inversa: Ahora es hombre con patas de toro. Aparece nueva protagonista: la mujer. El balsero se existencializa –y globaliza (en busca del norte). Las caras reaparecen, las figuras se multiplican. Surge la maleta como símbolo en la instalación casa/maletas Home Sweet Emoh.

Castro aprovecha la crisis post-capitalista global para implosionar lo político con lo económico. En nuestro presente distópico tanto el emigrante como el refugiado comparten un mismo paradigma. La pobreza y la falta de libertades tienen el mismo origen. La maleta, más que equipaje, deviene en la propia casa a cuestas.

Fábulas contemporáneas, con obras hechas entre el 2007-2008, manifiesta un desarrollo simbólico más maduro. La exhibición exuda una atmósfera poética donde lo real/natural evoca el ritual íntimo, lo que Valery llamara la plus vague, que es la representación del estado sonámbulo.

El show se mueve entre los tonos verde, rosado y azul. Y el pintor aborda la problemática existencial del sujeto, la pareja y la sociedad. Predominan el bosque, el agua (el mar), la edificación –alegorías incuestionables. En el símbolo remamos, jugamos a volar, a la guerra, esculpimos en árbol, y nos perdemos en el bosque. Hope muestra al balsero que guía su bote/árbol florecido en mar ralo de nadie. Babel es una torre zigurat de maletas, vista desde la altura; individuos allá abajo, minúsculos, asombrados, extraviados. Sailors presenta un grupo de hombres/botes caminando-navegando despistados en medio de la expansión azul del mar. En El bosque encantado siempre estamos rodeados, en medio de hombres-árboles. En medio de un mundo salvaje, existe la posibilidad de una reunión reveladora en Encuentro en el bosque.

La mujer desnuda, suspendida sobre la cama en medio del cuarto, el cabello largo colgando en The Journey, trae la invocación del poeta simbolista ruso Alexander Blok, cuando, dirigiéndose a la naturaleza/mujer dice: “`Feminidad eterna, elévanos”.

No es fácil mantener el mismo nivel de condensación entre tantas obras. Prefiero cuando el signo castriano se hace menos obvio, cuando habita lugares inauditos –y hasta chocantes. Lo impredecible de la superimposición y la extrañeza es en este caso la mejor arma de Castro.

Con el símbolo a cuestas, esta obra de Castro se mantiene lírica, vigente y arcana. Y no es para menos. Decía Mercia Eliade que el símbolo “puede llevarnos al aspecto más profundo de la realidad y la modalidad más oculta del ser”.•

‘Fábulas contemporáneas’ de Humberto Castro, hasta el 31 de octubre, ArtSpace/Virginia Miller Galleries, 169 Madeira Avenue, Coral Gables, (305) 444-4493, <www.virginiamiller.com>.

Stainless Angels of Liao Yibai

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Liao YibaiWhen asked where he grew up, Liao Yibai answers “Mailbox 5.” Born in the hospital of a top-secret chemical engineering factory that made missile propellants, Yibai attended the factory school, where he was told by his teachers that if he studied hard he could attend the Military Industry University and then work in the propellant factory like his parents. Yibai says that even as a boy, he swiftly rejected that career. “We would be studying in school, and there would be a loud boom,” he recalls. “Yesterday it was a factory building, and today it’s gone…”. Yibai decided that “I wouldn’t come back here to replace my father, even at gunpoint.” So that his son wouldn’t have to work at the factory, Yibai’s father taught him to paint so he could qualify to attend an art school.

See more of Liao Yibai’s artwork here

Abstracciones suspendidas: Michelle Concepción

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Over and over7, 60 x 40 in, acrylic on canvas, 2007

ARTES Y LETRAS
Por JANET BATET
Especial/El Nuevo Herald

Silencio, sosiego, deleite. Si hay un sesgo para la meditación y un reconciliador viaje interior, tan necesario y siempre relegado por las premuras de la vida cotidiana, este privilegiado momento lo pone ahora a nuestro alcance Art Space, Virginia Miller Gallery. Volver: recent paintings es el título de la muestra personal de Michelle Concepción, cuyo sentido por la composición, y el juego con las formas y el color, crean universos de gran poder evocador.

Mucho se ha conjeturado sobre la naturaleza de la obra de Concepción. Algunos parecen descubrir elementos microcelulares; otros, galácticos. Lo cierto es que, independientemente de la micro o macro escala inferida, su pintura, altamente sugerente, ofrece al espectador el camino propicio a la imaginación y el pleno goce de la forma per se.

Los cuadros, la mayoría de gran formato, están casi siempre poblados por formas abstractas, reminiscencias ovoides o suertes de paramecios, rocas o asteroides suspendidos. Otras veces, como en la obra Twist, trazos de movimientos, como estelas de trayectorias que fueron animan el ojo del espectador, presa de la travesía. En este sentido, las obras bien parecieran la impronta de la exposición en una cámara oscura, donde el movimiento del sujeto fotografiado deja una especie de secuela que más tarde le definirá, cuando ya no esté presente.

Michelle Concepción introduce, de esta manera, una nueva dimensión de la que poco se ha hablado en su obra: el tiempo. Sus cuadros, impregnados de la noción de movimiento, insinúan formas que navegan, sin prisa, en consonancia absoluta. Esta idea de tiempo es reforzada con un recurso sinestésico: la sensación espacial, tridimensional, donde el fondo dominantemente negro y la superposición de formas logran la efectiva sensación de profundidad y el medio propicio para la danza de forma y color a la que asistimos. El hecho de que Michelle haya dado el título de Volver a la muestra emplaza también nuevos niveles de lectura asociados una vez más a la dimensión temporal, donde microcosmos y macrocosmos se imbrican en un sugerente discursar.

Si en su etapa precedente todavía la artista estaba más apegada al dibujo, al trazo de realidad, a la representación, ahora Michelle Concepción nos ofrece una obra mucho más depurada, con un estilo más personal alcanzando, a mi juicio, su madurez como artista. Atendiendo al color, dos tipos de obras saltan a la vista, una monocroma, donde el gusto por la paleta de grises es una constante, y otra donde la explosión de colores radiantes se impone. Limas, aquas, bermellones, naranjas encendidos coexisten, se superponen y fusionan a ratos a través de transparencias que sugieren, a veces, el elemento acuoso como medio dominante; otras, las formas parecen suspendidas, como flotando en el éter.

El proceso de producción de la obra es tan estético que parece en sí mismo un performance. En la presente muestra, un video expuesto al público, registra a la artista en plena faena creativa: movimientos sinuosos, de amplias curvas, cadenciosa danza entre la artista y el lienzo que garantizan el nacimiento del grácil universo que conforma la obra de Michelle Concepción.

La artista ha apuntado lo complejo del proceso creativo de sus cuadros que puede llegar a tomar varios meses, y hasta un año. Dispuesto el cuadro sobre el piso, múltiples son las capas de pintura que, como estratos o sedimentos que el tiempo va dejando, la artista imprime al lienzo. Tanto es magnificado ese tiempo, que puede hablarse por momentos de un tiempo suspendido, y es justo en esos momentos más logrados que alcanzamos la comunión más completa con la forma pura, desprovista de cualquier referencia cotidiana, ese momento mágico en el que somos nosotros y sólo nosotros frente al acto estético más puro.

Sin duda, el carácter evocador es el leitmotiv de la obra de Michelle Concepción donde, a partir del elemento mínimo –textura, color y luz–, la artista logra hacer sentir en el espectador las más disímiles sensaciones, todas válidas.

Conocida en el circuito europeo, principalmente en Alemania y España, donde ha presentado varias muestras individuales, la artista realiza, con Volver: Recent Paintings, su primera exposición individual en suelo americano, aún cuando su obra nos sea ya familiar a través de varias muestras colectivas a nivel nacional.•

‘Volver: Recent Paintings‘ de Michelle Concepción. Hasta el 26 de septiembre. ArtSpace/Virginia Miller Galleries, 169 Madeira Avenue, Coral Gables, (305) 444-4493).

Humberto Castro

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por Irina Leyva
ArtNexus No. 64 – Dic 2006

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Una retrospectiva de la obra de los últimos quince años del pintor cubano Humberto Castro se inauguró en la Galería Virginia Miller de Coral Gables. Titulada “Humberto Castro: pinturas y dibujos, 1990-2006”, la muestra consistió en diecisiete obras; de ellas, catorce pinturas y tres dibujos.

En esta exposición pueden delimitarse estilísticamente tres períodos: uno que comprende las obras de 1990, uno segundo de 1993 a 1994, y el tercero, a partir de 1995. Las obras de 1990 cubren el proceso de transición entre la década de los ochenta; y las que vendrían después, a partir de 1993. Las figuras todavía tienen puntos de contacto con el estilo bad painting por el que era conocido Humberto Castro en los ochenta, mantiene el colorido brillante pero a la vez empezamos a ver la distribución espacial que caracterizaría su obra en el futuro. De esta transición hay dos obras en la retrospectiva, El pez de hierro y La casa de virgo.

Entre 1993 y 1994, las obras que produce resaltan por su lirismo. Durante este tiempo hace obras en las que exploraba el filosófico tema del minotauro en su laberinto. Cuerpos contorsionados mostraban de cierta manera las inquietudes internas del artista, sus preocupaciones existenciales devenidas de su condición de exiliado, ya que por estos años estaba viviendo en París. En la muestra se presentaron dos piezas en tela de esta etapa, ambas de 1994, tituladas La espiral eterna y Viaje imaginario. Estas obras son de gran formato y con una paleta de colores reducida con respecto a sus obras anteriores. Se caracterizan por una combinación de rojo/carmelita con ocre, dando como resultado un contraste dramático.

Los tres dibujos de la exposición son de este período, dos de 1993 y uno del 1994. Ejecutados en tinta, las figuras están solucionadas a partir de una combinación de sombras y contornos, dando la sensación de estar flotando. El tema de los dibujos continúa siendo el del minotauro, temática que exploró extensivamente en la serie producida entre estos dos años.

A partir de 1995 comienzan a advertirse cambios estructurales y en su paleta. Se simplifican las líneas para dar paso a un nuevo uso de colores más puros y fuertes, probablemente una consecuencia de su retorno al trópico, ya que, en 1999, Humberto Castro se muda permanentemente de París a Miami. Estos cambios son más visibles en las piezas del año 2000, en las que los fondos son de colores más planos y las figuras comienzan a aparecer más aisladas, reflejando un período de introspección. Continúa con sus exploraciones del cuerpo humano y sus indagaciones filosóficas, haciéndose más latente el tema del exilio, iconográficamente más visible a través de símbolos bien concretos. Entre estos símbolos se destacan botes, la presencia del mar y mapas de Cuba. Entre las obras que resumen este estado de ánimo pueden mencionarse dos específicamente: Sueño transcurriendo, de 1995, en la que plasma una figura en posición fetal en un bote, en un viaje onírico a sus orígenes; y La lección de anatomía, de 2000, en la que se delimita el mapa de Cuba en una silueta con una máscara.

De las obras en las que trata las consecuencias del exilio podríamos citar dos en específico. Una de ellas es Comme des poissons, de 1998, en la que aparecen dos figuras, criaturas híbridas mitad humanas, mitad pez, y viceversa; en el medio de ambas, un péndulo. Humberto Castro habla de la evolución de cada uno, de las respuestas ante diferentes aspectos de la nueva vida a la que nos enfrentamos una vez que emigramos. Las caras son desdibujadas, carentes de una identidad, una alusión al proceso de transformación por el que pasa cada uno en su nueva vida. Otra obra que toca esta temática es Traversee, de 2000, en la que aparece una figura humana con un caracol a cuestas, hablando de la perpetua movilidad y la inestabilidad del exiliado.

En sentido general, la muestra fue cuidadosamente preparada teniendo en cuenta una selección balanceada de las obras del artista. Puede apreciarse una característica que unifica toda la obra de Humberto Castro, independientemente del estilo y período de creación, y es el carácter autobiográfico de la misma, manteniendo como tema central al ser humano y sus emociones. Esta retrospectiva marca el final de una etapa creativa en su carrera y el comienzo de una nueva.

Elmar Rojas

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Elmar RojasElmar Rojas is a leading Guatemalan painter whose works regularly are featured in sales of major international auction houses, in prestigious Latin American exhibitions, and in such art fairs as those associated with Art Basel Miami Beach. Rojas’ paintings have been compared to the literary works of Gabriel Garcia Márquez, the renowned Colombian author whose magic realism won the Nobel Prize for Literature. Rooted in his country’s folklore, his distinctive surrealistic figures under large hats have been widely exhibited for more than 35 years. Born in 1938, Rojas practiced as an architect before studying art in Guatemala, Spain, France and Italy. His international awards include the Gran Premio Iberoamericano “Cristobal Colón,” presented in Madrid in 1964. See more here.

Aaron Karp's Paintings Compared to 'Visual Jazz'

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Aaron KarpRecipient of a dozen prestigious international grants and residencies, including one from the Pollock-Krasner Foundation, Karp was artist-in-residence in Mojacar, Spain when he visited the Alhambra. Its intricate domes inspired this series of paintings, whose abstract shapes are surmounted by an interleaved grid of tubular forms. Karp’s fractured, multihued surfaces—termed “visual jazz” by one critic—present a “rhythm, harmony and dissonance,” according to the artist, that is perceived as blended color and movement. His extensive list of exhibitions in leading museums and galleries includes two travelling shows originated by the Guggenheim Museum in New York City. His works are included in more than two dozen of the nation’s top corporate and public collections, including those of the Guggenheim; IBM Corporation in both Houston and New York City; Skidmore, Owings and Merrill in Denver; Coca Cola in Atlanta; and MCI WorldCom in Arlington, Virginia. See more here.