Artes y Letras

Publicado el domingo 11 de mayo del 2008
Visiones del arte chino emergente

By Adriana Herrera
Especial/El Nuevo Herald

Cortesia de ArtSpace/Virginia Miller Galleries
‘San San Series: Meditation’. 2008. Liao Yibai.

La exhibición Nueve artistas emergentes de China, en Virginia Miller Gallery se inscribe dentro de ese despertar del dragón que es la vanguardia artística china y la creación de un fenómeno de mercado que supera el furor que en los ochenta provocó el arte ruso. A partir de un momento preciso, señalado por la historiadora Karen Smith –la masacre de Tiananmen de 1989– se desató el ansia de traspasar las fronteras geográficas, políticas y estéticas después del largo período de represión que supuso el cierre de las facultades de arte y de las universidades durante la Revolución Cultural. Más allá de si el grupo de artistas exhibidos repite o no el fenómeno de esos artistas anónimos, hoy célebres y millonarios como Zhang Xiaogang, o Yang Fudon, sus obras son reveladoras.

Liao Zhenwu retrata la vida en la población de Sichuan, donde no es posible movilizarse en bicicleta, y el ritmo frenético produce un nuevo tipo de centauros: los hombres encaramados sobre motocicletas. Sus pinturas captan, con trazos expresionistas casi abstractos, un drama humano descrito en la imagen de multitudes amorfas, confundidas entre cielos grises y gruesas pinceladas de tonos sombríos. La teatralidad es un rasgo interesante que se aprecia también en la pintura de Liang Haopeng, Stolen Bicycle. Cinco hombres miran de frente, agrupados en torno a una bicicleta, algunos con los puños alzados, el torso desnudo, en actitud de protesta o defensa. Los rasgos son casi naturalistas, pero en vez de la descripción de un lugar de fondo, impera la gestualidad del grupo humano en torno a un solo objeto: la bicicleta robada, que remite a una infinidad de posibles narrativas vinculadas al combate de la supervivencia. En las pinturas de Zhu Yan, hay una violenta ironía política que recurre al movimiento del cartoon japonés que se expandió en los años 80. La repetición de la misma figura humana en una pintura humorística como I Love Tiananmen Square, donde un coro masculino se presenta en la escena de un teatro que es el palacio imperial conocido como ”La ciudad prohibida”, alude al grito contra la uniformidad que se acalló en la masacre. El dramatismo está contenido y eso aumenta su eficacia. En los retratos casi hiperrealistas de Wang Limin, quien tuvo un show individual en Pickled Art Centre en Beijing, la primera impresión es la de estar frente a bellos modelos femeninas. Pero sus trajes son los uniformes del período de la Revolución Cultural y las orquídeas o las flores –pintadas de forma borrosa– en el trasfondo o prendidas como una medalla en el pecho, que usualmente representan en la cultura la felicidad de la primavera, se convierten en imágenes paradójicas, tal vez metáforas de esa terrible felicidad instaurada como consigna por un partido político.

Las representaciones de la mujer también reflejan una tensión entre opresión y mecanismos de liberación. En la poderosa pintura de Cui Jin se ve una mujer cubierta por un velo rojo pero con la boca indiscretamente abierta. Aunque el cuerpo está completamente vendado tiene los pies desnudos y libres de atadura. Como se sabe en la cultura ancestral china a las mujeres nobles se les vendaban los pies para que no crecieran y no pudiera caminar por sí solas. Li Jia pinta otro tipo de paradoja: la glamorosa mujer vestida de un rojo seductor con las piernas cruzadas, y los pequeños pies calzados de zapatos rojos, está vinculada a una espinosa flor roja por un hilo que termina en gotas de sangre que brotan de la palma de la mano o de sus rodillas. Las ataduras a una cuerda que convierten las figuras en marionetas están presentes en la obra de Liu Qi Ming, donde las figuras humanas penden en un horizonte gris y desolado. También es gris el trasfondo de los retratos de lánguidos personajes de He Zubin que comunican intensas cargas emocionales. Sería fascinante analizar los valores otorgados al gris y al rojo en esta serie de pinturas.

La obra de Liao Yibai, la única escultura del grupo, marca un punto aparte tanto por su historia como por su proyecto estético. Nacido en una fábrica de ingeniería química militar donde trabajaban sus padres, estaba en la escuela cuando ésta estalló con ellos adentro. Sus esculturas en acero tienen el nombre de su perro San San y constituyen una imagen que no sólo alude al estallido del mundo grabado en la memoria de su infancia, sino al espejo de la vulnerabilidad del planeta. De hecho él instala su personaje –con alas flamígeras, una cabeza que asemeja el globo terráqueo, y una figura pequeña– en lugares públicos que se reflejan en el cuerpo de San San, convertido en una especie de ángel que funde las imágenes beatíficas de la iconografía budista con alusiones a mundos que estallan. Liang Haopeng y Liu Qi Ming, son otros de los artistas de esta exhibición que trae a Miami el arte emergente de una China en transformación.•

‘Nueve artistas emergentes de China’, en Virginia Miller Gallery. Hasta el 2 de junio.1 69 Madeira Ave., Coral Gables. (305) 444-4493.

The 2007 Chinese Contemporary Art Document, which lists 275 leading Chinese artists with their biographies and illustrations of their work, includes six of the nine artists in the current ArtSpace/Virginia Miller Galleries exhibition, Under the Radar: Nine Contemporary Chinese Artists. Along with their photo and biographies of Li Jia, Cui Jin, Wang Limin, Zhu Yan, Liao Zhenwu, and He Zubin, the encyclopedic book includes illustrations of their work. Four paintings shown in the book are in the present exhibition at ArtSpace/Virginia Miller Galleries. Other artists juried for the book by leading critics and academic authorities are two from the gallery’s recent Chinese neo-pop exhibition, Lu Peng and Liu Yan.

Liang Haopeng’s works are mostly paintings of unruly beheavior, chaotic gatherings often depicting verbal and physical arguments. He deliberately paints the figures in his canvases with oblique lighting and rimmed in red, so they appear violent and sinister. By capturing his subjects in peak action—what the renowned photographer Henri Cartier- Bresson called “the decisive moment”—Haopeng creates a powerful sense of tension between the painting and its viewers.

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Although Li Jia is an emerging artist whose work has been included in only a handful of group exhibitions, she clearly is highly regarded in Chinese art circles: the “2007 Chinese Contemporary Art Document” gives her a full three pages, include four half-page color illustrations, two of which show paintings in our “Under the Radar” exhibition. Li Jia’s anime-inspired
subjects are young women with doll-like heads and wearing a sleeveless red dress, dangling by slender threads as a marionette or swinging from them while seated on a thorny rose. Does the wilted red rose with its falling petals represent a less-than-inspiring form of socialist government or a deteriorating love affair? The interpretation is left to the viewer’s
imagination.

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The enigmatic brides-to-be in paintings by Cui Jin seemed wrapped in crinkled cellophane, like gifts that have been opened, crumpled, and re-packaged. Two full-page color illustrations of her work are included in the definitive catalog, “2007 Chinese Contemporary Art Document.” Their elbow-length lace gloves as well as the fringed shawl covering their heads traditionally are red, symbolizing joy, long life and celebration in Chinese weddings. In some ceremonies, the bride wears the shawl over her head until she is formally presented to the groom’s family. Perhaps the response to Cui Jin’s mysterious images, like poetry and abstract art, lives within the perspective of the viewer.

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Born in Handan, Hebei Province in 1974, Wang Limin has participated in 15 group exhibitions in China, Japan and Korea as well as a solo show at the Pickled Art Centre in Beijing. Two of his large-scale portraits of attractive young women dressed in military-style uniforms of the Mao Zedong era from the “Under the Radar” exhibition are given full-page color illustrations in the definitive catalog, “2007 Chinese Contemporary Art Document.” The red crysanthemum on the chests of two of the portraits symbolize celebration, luck and a life of ease—all the antithesis of being conscripted into a military organization. Orchids raining down on one subject symbolize perfection, abundance and higher growth, hardly attributes of a soldier’s life. Clearly, Limin’s perception of the Cultural Revolution is less than Utopian.

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According to Liu Qi Ming, “Art is rooted in life—but from the very beginning of the history of civilization, what influences our life most is politics, from which we can never escape! The politics of our society keep us dangling above a mysterious future, leaving us all at the mercy of the hands that hold our strings.” True to his philosophy, paintings by Qiming depict one or more individuals dangling by a slender red cord above an indistinguishable, inky morass.

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Zhu Yan, represented by two 57-inch-square oils, paints in the style of China’s “new cartoon movement” that began in the 1980s as a spinoff from the internationally popular animated Japanese comics. His paintings of groups of identical, emotionless male performers on a stage appear devoid of ulterior content until viewers read their exquisitely sarcastic titles: “I Love Tianamen Square,” for example, shows a male chorus on stage, its curtains framing the Palace Museum (formerly known as “the forbidden city,” or imperial palace) supporting a portrait of Mao Zedong. Two fighter planes zoom above the building, leaving contrails behind them. An identical member of the chorus stands rigidly beside them, tightly clutching a bouquet to his chest, clearly without intending to surrender it. Three pages in the definitive “2007 Chinese Contemporary Art Document,” a juried catalog of leading artists, are devoted to Zhu Yan, with two full-page color illustrations of his paintings.

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When asked where he grew up, Liao Yibai answers “Mailbox 5.” Born in the hospital of a chemical engineering factory that made missile propellants, Yibai attended the factory school, where he was told by his teachers that if he studied hard he could attend the Military Industry University and then work in the propellant factory like his parents. Yibai says that even as a boy, he swiftly rejected that career. “We would be studying in school, and there would be a loud boom,” he recalls. “Yesterday it was a factory building, and today it’s gone…”Yibai decided that “I wouldn’t come back here to replace my father, even at gunpoint.” So that his son wouldn’t have to work at the factory, Yibai’s father taught him to paint so he could qualify to attend an art school.

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Born and educated in Sichuan, Liao Zhenwu often paints the ubiquitous motorcycles of his mountainous homeland. With a backdrop of winter’s gray skies, his gritty black-and-white paintings successfully capture the smoky atmosphere of hordes of motorcyclists with their innumerable passengers. According to critic Gao Ling, Zhenwu’s recent series of paintings reflect his impressions of the interactive relations among groups of mannikins in Beijing shop windows. “Based on the living environments he is familiar with,” Ling states, “Liao first told us stories about the town he lived in and then describes the shop windows of the metropolis,” in effect, providing us “time tags”—the artist’s generic title for his paintings—for those periods. In the prestigious “2007 Chinese Contemporary Art Document,” a juried catalog of the most important artists now working in China, Zhenwu commands three full pages featuring three large illustrations of paintings in his “Times Tag” series.

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Considered a quintessential Chinese artist, He Zubin is among the leading artists cataloged in the prestigious “2007 Chinese Contemporary Art Document.” His stylized figures, gracefully curved like the subjects of Thomas Hart Benton, suggest the relationship between the characters portrayed. In “Bad Guess,” an older girl, possibly a sibling, holds her hands as if playing a game like “paper, scissors, rock” with a younger boy; in “Doze,” a young couple nod off, their heads cradled in their arms, which intimately brush against one another. Both paintings are rendered in tranquil hues of gray, ivory and olive. The muted colors and gently curved lines present perfectly serene paintings, each a calming visual oasis.

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ArtSpace/Virginia Miller Galleries Presents
Florida Debut of Emerging Chinese Artists

“Under the Radar: First Florida Exhibition—Nine Chinese Artists Interpret the Figure,” the new exhibition at ArtSpace/Virginia Miller Galleries in downtown Coral Gables, might as well be called “U.S. Debut of Contemporary Chinese Artists.”

It’s the first show in the United States for eight of the nine artists, mostly in their 20s and 30s with only a handful of exhibitions in their biographies. “We thought it was the first U.S. show for all the artists until we found out that Lu Qiming was in two group exhibitions in New York and at the Smart Museum of the University of Chicago,” says gallery owner Virginia Miller.

The work is very different from the gallery’s last exhibition, which featured pioneering Chinese neo-pop artists. “Each of the artists in this show has a very different style and unique subject matter,” Miller says. “Several are subtly critical of their government. It’s a fascinating look into their world.”
Senior artist in the group, in terms of exhibitions, is Lu Qiming, whose oils depict a barely clad figure dangling above the sea on a single rope. According to the artist, “The politics of our society keep us dangling above a mysterious future, leaving us all at the mercy of the hands that hold our strings.”

The most spectacular work in the show is a triptych by Liao Zhenwu stretching across 27 feet. Its three panels are a stylized, painterly depiction of the motorcyclists in the artist’s gray, gritty hometown in Sichuan. Zhenwu’s other paintings, also rendered in shades of gray, white and black, either show other motorcyclists or are one of his series inspired by the mannikins in Beijing’s showroom windows.

The lone sculptor in the exhibition is Liao Yibai, whose stylized, fabricated stainless steel figures represent a traveler’s angel, a worker’s angel, and a particularly blessed angel being drenched in an apparent rainstorm, whose symbolic splashing represents holiness, goodness and brightness to traditional Buddhists. The last work, a highly complex piece with numerous individual splashes of raindrops, is the first to be completed in Yibai’s usual series of eight in this size.

Confronting visitors to the gallery as they step inside is a six-and-a-half foot painting by Liang Haopeng titled “The Bicycle Thieves.” His first work exhibited outside China, the painting depicts a stripped bicycle surrounded by five thuggish men, each rimmed in red, with their mouths open and hands caught in mid-gesture, apparently reacting to their imminent arrest. Haopeng’s paintings generally show unruly behavior, chaotic gatherings or arguments, capturing tense and anxious moments.

Two canvases by Li Jia, each nearly six feet tall, show a female puppet dangling from a red rose and another sitting on a thorny rose with tears in her oversized eyes, their large eyes and doll-like heads reflected the influence of anime, the wildly popular Japanese comics. The artist’s vision is clarified by her statement that “our vision of beauty is manipulated by the marketplace.” Because of the color and wilting condition of the roses, some viewers wonder whether they might be a visual metaphor for China’s socialist government.

Clearly, some contemporary Chinese artists take humorous potshots at their government. As an example, Zhu Yan’s cartoon-like characters belie his politically charged, sarcastic titles. “I Love Tianamen Square,” for example, shows a chorus of rigid, tight-lipped men in front of the square, with another clutching a bouquet tightly to his chest—clearly, a picture devoid of affection for the subject of its title.

Most enigmatic of the works in the exhibition is a five-foot painting by Cui Jin. Titled “Wait Behind and Wait For,” it shows a full-length female figure, enveloped in what appears to be crinkled translucent paper or plastic wrap, and wearing elbow-length scarlet lace gloves and an opaque, fringed scarlet hood with an embellished mouth. The symbolic coverings, suggestive of those worn by brides on their wedding day, have been interpreted as referring to the sense of entrapment of women entering marriage.

Compared to Cui Jin’s eerie, anonymous figure, the three paintings by Wang Limin appear to be straightforward portraits of attractive young women, each wearing the military-style uniforms of the cultural revolution era. Those familiar with the symbolism of the red crysanthemum and red medal on their chests, however, suspect that the artist is subtly contrasting the flower’s representation of joy and success with the unhappy regimentation of the Mao Zedong era.

He Zubin, another of the artists being shown outside China for the first time, has been called a “quintessential Chinese artist.” His figurative works, like the landscapes of the Thomas Hart Benton, curl into graceful compositions, and feature elongated, elegant fingers and faces, all rendered in muted colors.

“All of these are highly promising emerging artists with accomplished techniques,” said Miller.

Located at 169 Madeira Avenue in downtown Coral Gables, ArtSpace/Virginia Miller Galleries is open from 11 a.m. to 6 p.m. Monday through Friday and by appointment. The works also may be viewed on the gallery website, virginiamiller.com

ArtSpace/Virginia Miller Galleries: Arte excitante, novedoso e inteligente
Por Isabel Batteria
Posted by ArtPremium January 2008, Vol 4, Num 21.

El espíritu de la Galería, que exige la integridad y la técnica que le dan valor a una obra, es lo que la define. Afín con esa tradición, ArtSpace/Virginia Miller Galleries vuelve a dejar una huella en la comunidad artística del sur de Florida al presentar Six 21st Century Chinese Neo-Pop Artists, la primera exhibición en la región de este movimiento artístico pionero, desde el 2 de noviembre hasta febrero de 2008.

Actualmente, el arte contemporáneo chino se considera una de las categorías más codiciadas por los coleccionistas de arte alrededor del mundo. Según Miller, los trabajos de los artistas neo pop chinos proveen un atisbo del proceso de digerir las influencias occidentales que experimentan los artistas de China y que precipitan otros cambios en la sociedad de esa nación.

Los seis exponentes incluyen a Lu Peng y Liu Yan, ambos con decenas de exhibiciones internacionales en su cartera. Su trabajo tiende a contrastar sujetos tradicionales con estrellas de rock e íconos mediáticos. Xiong Lijun y Kang Can están influenciados fuertemente por el manga y la animación El arte de Yang Na expone su preocupación sobre el materialismo que emerge hoy en China, gracias a las influencias occidentales. Las yuxtaposiciones de Li Bo también dan fe de las grandes diferencias entre la cultura china y la occidental, con énfasis en la importancia del Internet, con el cual pueden florecer relaciones tan fortuitas como las imágenes de sus obras.

Miller afirma que esta exhibición será un importante precedente que podremos consultar en el futuro para apreciar la inserción y la posición del neo pop chino en la evolución de la historia del arte internacional.

El arte es novedoso; la calidad es de siempre
Esa es la costumbre de Virginia Miller: destacar los movimientos y artistas contemporáneos más revolucionarios y noveles, de visiones personales y técnica únicas, y darles luz en la comunidad artística de Florida y del mundo.

Por más de 35 años, Miller ha sido una de las más importantes tratantes de arte moderno. Ha llevado a una docena de espacios, incluyendo las múltiples galerías que ha tenido a través del tiempo, una gran gama de artistas modernos noveles y reconocidísimos, y sus esfuerzos se consideran hitos históricos en las artes en Florida. Las primeras exhibiciones que curó Miller constituyen las primeras fusiones del arte y los negocios para fines caritativos.

Miller ha propiciado exhibiciones de inmensa importancia artística e histórica: las esculturas y pinturas de Karel Appel, las fotografías de sacerdotes y monjas sexuados de Fernando Luis, el arte contemporáneo ruso en la época en que lo soviético era enemigo de lo estadounidense, la primera retrospectiva de Alice Neel en Florida, la primera exhibición en la región de la historia de la fotografía (incluyendo obras del inventor del negativo, William Henry Fox Talbot, y la primera fotógrafa, Anna Atkins), dos importantes retrospectivas de Richard Pousette-Dart, la primera exhibición y venta en Florida de arte aborigen australiano, la primera exhibición en los Estados Unidos del artista dominicano Ramón Oviedo…

¿Cómo fue su inicio en el mundo del arte hace 35 años?
Mientras estudiaba psicología con una concentración menor en arte, en la Universidad de Miami, entablé amistad con varios artistas que se quejaban de que las pocas galerías locales a finales de los años 60 y principios de los 70 parecían interesarse más en exhibir artistas reconocidos nacionalmente y había pocos foros para ellos. Yo había trabajado en un banco, una agencia publicitaria y un bufete de abogados, y, por mi trasfondo en los negocios, pensé que podía ayudarlos, a la vez que ganaba algo de dinero para sufragar mis gastos universitarios, organizando exhibiciones en los bancos y para recaudar dinero para organizaciones caritativas. La primera fue en el First National Bank de South Miami en 1969.

Luego, tuve la maravillosa experiencia de pasar mi último semestre de universidad viajando por el mundo en un programa llamado World Campus Afloat. En ese viaje, encontré al arte internacional tan intrigante que, al volver a Miami, decidí abrir una galería y continuar estudiando arte en vez de terminar la carrera en psicología, aunque mis estudios en ese campo me han servido mucho en el mundo del arte.

¿Por qué eligió a Karel Appel y a Richard Poussette-Dart? Son dos grandes artistas de estilos opuestos. ¿Cuál es su línea de expresión?
Las exhibiciones de Karel Appel y Richard Pousette-Dart son sólo dos de las más de 300 que he curado a través de los 34 años de la historia de mi galería.

Siempre he tratado de introducir a la comunidad nuevos artistas, formas de arte y visiones excitantes. Siento que exhibir artistas significantes históricamente que nunca han expuesto en esta área, o que no lo han hecho por muchos años, ha sido no sólo algo que aporta a la reputación de mi galería, sino que me ha permitido conocer y trabajar con muchos artistas importantes y fascinantes y contribuir a sus carreras. Al exhibir a artistas como Alice Neel, pude introducir a esta comunidad a una de las retratistas más importantes del siglo XX.

Mi meta desde el principio ha sido exhibir a los artistas más destacados que puedo encontrar, independiente de la moda en el mercado. Constantemente, busco artistas que provoquen un Wow! : una declaración única y muy personal que aporte a la historia del arte, ejecutada de forma profesional en un medio perdurable. Quiero que mis clientes disfruten su arte por el resto de sus vidas y que puedan legárselo a un museo o a sus hijos o nietos. También busco una cualidad espiritual, más allá de los medios o del sujeto, que me hable y me emocione. El arte que muestro es ecléctico, pero con la calidad como denominador común.

La exhibición de los maestros latinoamericanos y de arte aborigen fue un acercamiento interesante. ¿Busca usted educar a su público respecto a la forma en que deben percibir y entender las diferentes culturas?
Sí, disfruto aprendiendo sobre otras culturas e introduciendo su arte en mi comunidad. En los 70 y 80, mostré arte y artefactos africanos, precolombinos y nativo americanos. La exhibición aborigen australiana de los 90 fue otra en la serie de exhibiciones que me permitió trabajar con una cultura que nunca se había mostrado aquí. Siempre busco cosas que estimulen mi curiosidad e intelecto.

Aunque abrí mi galería para los artistas regionales y de Florida, empecé a mostrar arte latinoamericano a mediados de los 70. Me impresionó la variedad y calidad de mucho del arte que vi, mayormente de artistas desconocidos aquí, así que empecé a mostrar sus trabajos y lo he seguido haciendo hasta ahora.

En los 70 y 80, aquí, y más en el resto del mundo, había relativamente poco interés o conocimiento sobre arte latinoamericano. La mayoría de los críticos tenían un conocimiento muy somero del arte y la historia latinoamericanos. Pensé entonces, y aun lo pienso hoy, que estaba entre las artes más fuertes, pero menospreciadas, del mercado.

Otra de mis metas ha sido presentar el arte en una forma bien integrada, considerando la composición y el tema de la instalación. Se parece mucho a cómo un artista confronta un lienzo en blanco, cuando comienzo con las paredes en blanco de mi galería y convierto las obras de arte divergentes en una cohesión que las realza a cada una por su contexto. Esto significa una gran diferencia en la experiencia visual y contribuye a su componente educativo.

Desde el principio, me he asegurado de que cada visitante se sienta bienvenido en mi galería. Saludamos a todo el mundo, y yo o uno de mis empleados le mostrará el lugar y le hablará sobre las obras. Creo que ésta es una parte muy importante del papel educativo de las galerías.

¿Influencian alguna vez los objetivos comerciales al propósito educativo de la galería?
Sí, la naturaleza variada de nuestras exhibiciones tiene el fin de educarme a mí y a cualquiera que las visite. Muestro arte que me excita, que es novedoso e inteligente. Así, he conservado mi entusiasmo y mi galería ha prosperado por 34 años. Las ventas son necesarias para que los artistas vivan y la galería exista, pero el arte que muestro nunca ha estado determinado por qué venderá, aunque trabajamos fuerte para que se venda. Siempre se elige con base a la calidad y el espíritu del arte. Si hubiera mostrado obras de fácil venta, mi galería hubiera sido una institución muy diferente y me hubiera retirado hace años por el aburrimiento.

Además de exhibir y vender las obras de los artistas que representamos y promovemos, somos corredores de arte moderno para clientes que desean revender el arte que han adquirido de nosotros, otras galerías, subastas o herencias. Nuestros servicios incluyen ayuda con cualquier aspecto de la compra, elección, donación, restauración, enmarcado, empaque, envío e instalación del arte. Se trata de un mercado muy global, y enviamos cada vez más alrededor del mundo.

Está exhibiendo artistas de China. ¿Cómo tomó esa decisión y eligió las obras?
Nuestra exhibición de neo pop chino es otra de nuestras primicias históricas en esta región. Me la propuso uno de mis asociados, Pierrette van Cleve, y aproveché la oportunidad. Había tratado de mostrar arte contemporáneo chino hace seis o siete años, pero es difícil conseguir el arte a menos que uno tenga un asociado chino que viva en China y pueda servir de enlace con los artistas y manejar los asuntos locales como empaque y envío.

¿Cuáles son sus proyectos para los próximos cinco años?
Además de algunas exhibiciones temáticas, estamos planificando exhibiciones individuales de los artistas de nuestra galería, incluyendo una para Michelle Concepción de mayo a julio próximos. Ella es una joven artista puertorriqueña que vive en Alemania.

¿Qué potencial tiene el desarrollo de las artes en Miami, independiente del efecto de Art Basel Miami Beach?
Independientemente de Art basel y sus ferias y eventos, Miami siempre será el enlace internacional al arte latinoamericano y caribeño, lo cual asegura una escena artística diversa y vibrante.

Desde mi posición, los últimos 38 años de la escena artística han sido de cambio constante. Las ferias han creado una publicidad enorme y han atraído [a Miami] a coleccionistas nacionales e internacionales, artistas, celebridades, representantes de museos y galerías y otros curiosos al área. Estas ferias, especialmente Art Basel, han impulsado a Miami a la estratosfera del arte mundial.

Miami continuará creciendo y madurando culturalmente por la naturaleza única de nuestra ciudad y la mezcla fascinante de la población diversa, proveniente de todas partes del mundo, que visitan y viven aquí. Encuentro que el criterio de los coleccionistas se está volviendo más sofisticado cada año. Aunque considero que todavía algunas de mis exhibiciones son pioneras, muchas otras galerías ahora están introduciendo arte novedoso, lo cual indica lo mucho que nuestra comunidad ha progresado en las artes visuales en los últimos 38 años.

La meta principal de la galería de Miller, la de suprimir la moda y lo rentable con lo único, lo elocuente y lo perdurable, nos transmite un mensaje muy importante a los artistas, amantes del arte y coleccionistas que podemos aplicar a nuestra visión personal y gustos particulares del arte: hay que creer en el arte que se adquiere. Como dice Miller, el arte no es sólo una inversión financiera, sino una inversión en calidad de vida.

ArtSpace/Virginia Miller Galleries, which has brought historically significant and innovative art to South Florida for 33 years, is about to do it again with the latest hot ticket on the art market, contemporary Chinese Neo-Pop art.

True to its tradition, the gallery will present Six 21st Century Chinese Neo-Pop Artists, the region’s first exhibition of this pioneering art movement, from Nov. 2nd through February 2008.

“We are fortunate indeed to be able to offer these works at a time when contemporary Chinese art is one of the most sought-after categories for the art world’s collectors,” said gallery owner and director Virginia Miller.

As recently noted by Suzanne Muchnic in the Los Angeles Times, Contemporary Chinese art has made a big splash on the art scene during the last decade or so, grabbing attention at major international exhibitions and commanding enormous prices at auction.

A recent article in Forbes magazine reported that the market for Chinese art began to soar three years ago. “In 2004 Christie’s only sold about $18 million worth of postwar and contemporary Chinese art; in 2006 those sales hit $120 million,” noted writer Barnaby Conrad III, citing one Chinese artist whose portrait prices shot from $76,500 to $1.4 million in four years.

“Clearly, the prices reflect the skyrocketing Chinese economy and its newly affluent professionals,” noted Miller, “but the fresh outlook of a new group of contemporary artists, born during an era of their country’s tremendous social, political and economic upheaval, is the basis for the booming international market in these works.”

Among our nation’s major museums incorporating Chinese contemporary work into their exhibitions and acquiring it for their permanent collections are the Museum of Modern Art and the Guggenheim Museum in New York, the Denver Art Museum and the Museum of Contemporary Art in Los Angeles. Others are certain to follow suit.

“These works of representative Chinese Neo-Pop artists present us with a glimpse into the efforts of their nation’s artists to process the Western influences on the rapid changes in Chinese society during this extraordinary era,” Miller explained.

The most recognized of the artists being exhibited is Lu Peng. Born in Beijing in 1967, he has participated in more than 70 exhibitions in prestigious museums and galleries around the world. Two years older, Liu Yan’s 28 exhibitions include group shows in Paris, Minnesota and the Cologne art fair. Their works tend to contrast traditional subjects with rock stars and media icons.

Xiong Lijun and Kang Can, two of the four younger artists in the show, are strongly influenced by Japanese “manga” comics and their animated versions. Yang Na clearly is deeply concerned about the influence of Western culture upon the relative infancy of the new materialism in China. And the provocative juxtapositions of Li Bo also remind us of the incredible contrast between Chinese tradition and his generation’s new affluence and its emphasis on the Internet, where “surfing” can create fortuitous associations just as those triggered by his iconic images.

“These are extraordinary examples of contemporary Chinese Neo-Pop art,” Miller said. “When we have the perspective of a few years to look back on this show, we’ll be able to see how this fascinating group of artists fits into the evolution of the international art market as well as to more fully appreciate their position in art history.”

Located in the Coral Gables business district at 169 Madeira Ave., ArtSpace/Virginia Miller Galleries is open from 11 a.m. to 6 p.m. Monday – Friday and by appointment. For more information, call 305-444-4493.